Kunst Sammlung

«End of an Age», so heisst die Serie des britischen Fotografen Paul Graham (*1956, Stafford, UK), aus der dieses Bild stammt. In den späten 1990er-Jahren fotografierte Graham in der Zürcher Ausgehszene Jugendliche an der Schwelle zum Erwachsenwerden. In den Undergroundclubs schien ihnen für ein paar Stunden die Stadt zu gehören. «#39» zeigt eine junge Frau im roten dunstigen Licht des Nachtlebens. Ihre Augen sind geschlossen, sie wirkt in sich gekehrt. Der Bildausschnitt verrät kaum etwas über den Ort. Wir sehen einen Moment aus dem Leben eines jungen Menschen, der weit authentischer ist als jedes inszenierte Porträt. Doch die Serie handelt nicht nur vom Ende eines Lebensabschnitts, sondern auch vom Ende eines Jahrtausends in Zürich: «End of an Age» zeigt eine nahezu ausschliesslich weisse Bevölkerung. Grahams Aussensicht, im Nachtleben Londons geschult, erlaubte ihm zu erkennen, dass Zürich an einer Schwelle steht. Heute wissen wir, dass Graham richtig lag: Zürich ist vielfältiger geworden.

Wahrscheinlich hatte jeder schon einmal das Gefühl, sich in der eigenen Wohnung verkriechen zu wollen. Die polnische Fotografin Joanna Piotrowska (*1985, Warschau, PL) interessiert sich genau für solche eigenartigen Momente der menschlichen Psyche. Einer Performance gleich inszeniert sie in ihren Fotografien deshalb Situationen, die psychologisch aufgeladen sind. Der Mensch ist in ihren Schwarz-Weiss-Bildern stets verletzlich, sowohl seelisch wie körperlich. Die Bilder wirken unangenehm intim. Für die Serie «Shelter» bat sie Personen, aus ihren Habseligkeiten einen Unterschlupf oder eine Burg in der eigenen Wohnung zu bauen, wie es Kinder tun. Alltägliche Gegenstände werden zweckentfremdet. Eine gewöhnliche Kleiderstange ähnelt so plötzlich einem Käfig, die Bettdecke wird zum Zeltdach, das Kissen zum Wall. Die Stangen und Decken werden zu Symbolen der verworrenen menschlichen Psyche – und deren Beziehung zum Dach über dem Kopf.

Was formt unsere Identität? Religion, Nationalität, Hautfarbe? Für den Künstler Kelvin Haizel (*1987, Accra, GH) speist sich Identität nicht aus einer einzelnen Wurzel, sondern aus einem Geflecht, das fortlaufend wächst. Mit jeder Begegnung erweitern wir also unsere Identität. Auf der Suche nach solchen Begegnungen reiste der Gewinner des Vontobel Contemporary Photography Prize «A New Gaze 2» auf die Komoren, eine politisch gespaltene Inselgruppe im Indischen Ozean. Vor der Küste der Insel Grand Comore kam es 1996 zum tragischen Ende einer Flugzeugentführung mit 125 Toten. Die Leichen wurden bis zur Rückführung in einem Kühlraum aufgebahrt, der bis zu dem Unglück für die weitgehend von der Fischerei lebende Insel von zentraler Bedeutung gewesen war. Am Strand findet Haizel einen toten Babyhai, nimmt ihn mit in den ehemaligen, heute als Kulturzentrum genutzten Cold Room und performt dort im Gedenken an das Ereignis. Die Anonymität der Figur lädt die Betrachtenden dazu ein, sich selbst in dem Bild wiederzufinden und so Teil der Begegnung zu werden.

Kakteen piksen und gehören eigentlich zur weiten Prärie, zu Cowboys und Freiheit. Das aber ist nicht mehr als eine romantische Vorstellung. Denn der Mensch versteht es, sogar diese industriell zu bändigen. Hunderte reihen sich hier aneinander, mitten in der Wüste von Borrego Springs, Kalifornien. Der Mensch lässt so Pflanzen spriessen, wie es Gott am dritten Tag der Schöpfungsgeschichte tat. The Third Day ist denn auch der Titel der Fotoserie, zu der dieses Bild gehört. Der Fotograf Henrik Spohler (*1965, DE) dokumentiert solche Orte, die die Mechanik der globalisierten Industrie in ihrer ganzen Widersprüchlichkeit offenlegen. Die Kakteenzucht ist Utopie und Dystopie zugleich: auf der einen Seite das Konsumparadies, mit allzeit verfügbaren Pflanzen und Lebensmitteln, auf der anderen Seite die Wüste, die der Mensch sich unterwirft – das aber auf Kosten des Grundwasserspiegels, der hier immer weiter sinkt. Wie lange das angesichts des Klimawandels gut geht, ist ungewiss.

Nur weil Pflanzen für uns Menschen grün aussehen, heisst das nicht, dass das bei allen nicht-menschlichen Lebewesen auch so ist. Insekten zum Beispiel sehen auch ultraviolettes Licht. Und da viele Pflanzen Insekten anlocken wollen, reflektieren ihre Blüten UV-Licht besonders gut. In dieser Fotografie von Richard Mosse (*1980, Kilkenny, IR) werden wir quasi selber zum Insekt: Wir tauchen ein in eine fremde, gruselig-wundervolle Welt, in der es um Täuschung und Überleben geht. Um Fressen oder Gefressenwerden. Venusfliegenfallen lauern ebenso auf Beute wie die Gottesanbeterin oben links im Bild. Bekannt ist Mosse wegen seiner Fotografien aus Krisengebieten. Dabei bedient er sich stets neuester Technologien der Sichtbarmachung, wie beispielsweise Wärmebildkameras, die eigentlich im Krieg oder in der Wissenschaft verwendet werden. Hier fotografierte er für einmal das Schlachtfeld der Insekten und Blumen und macht so mittels UV-Taschenlampe einen Lebensraum sichtbar, der durch den Menschen bedroht ist wie nie zuvor.

Die Macht der Technik bringt fast jeden von Zeit zu Zeit zum Staunen. Denn mittels der Technik bändigt der Mensch die Natur nicht nur, er imitiert sie auch erfolgreich. Zwischen den beiden kupfernen Kugeln auf dieser Fotografie zum Beispiel können Forschende künstliche Blitze erzeugen. Entstanden ist diese Fotografie im Hochspannungslabor der Technischen Universität Dänemark. Als wäre es eine Theaterbühne, steht der Forscher Joachim Holbøll auf der Maschine und schaut zur sogenannten Funkenstrecke hoch, dem Spalt zwischen den beiden Leitern, wo der Blitz entsteht. Wie ein roter Vorhang umrahmt den Wissenschaftler die Trägerstruktur. Diese einzigartige Ästhetik hat dem Bild der britische Fotograf Alastair Philip Wiper (*1980, Hamburg, DE) verliehen. In seiner Serie «Unintended Beauty» hat er industrielle und wissenschaftliche Anlagen auf der ganzen Welt besucht und die spektakulärsten Maschinen fotografiert. Denn für ihn spiegelt ihre Ästhetik auch unsere Hoffnungen wider.

Als Model läuft die US-Amerikanerin Louise Parker (*1989, St. Paul, Minnesota, US) für Marken wie Chanel über den Laufsteg. Als ausgebildete Fotografin zerlegt sie dann die Bilder, die von ihr entstanden sind. Für die Werkserie Pieces of Me schnitt sie Modefotografien von sich selber aus und arrangierte verschiedene Bildteile neu zu einer Collage. Für Parker ist das ein Weg, die eigene Identität und die Deutungshoheit über Fotografien von sich selbst zurückzuerlangen. Die so entstandene Collage fotografiert sie dann wieder ab – sie porträtiert also über mehrere Ecken sich selbst. Durch die Fotografie entnimmt sie die Collagen-Stücke endgültig ihrem angestammten Kontext – und befreit sich so vom fremden Blick des Fotografen. So könnten ihre Werke als Befreiungsschlag eines Models gesehen werden, dessen Körper von Modefotograf_innen eher als nützliches Werkzeug denn als Teil eines Menschen betrachtet wird.

Höhlen haben immer auch etwas Unheimliches und lösen in uns oft eine irrationale Angst und Faszination aus. Vielleicht weil Höhlen über Jahrtausende entstanden sind. Für die Schweizer Künstlerin Maya Rochat (*1985, Morges, CH) sind Grotten wie diese perfekten Symbole dafür, dass alles auf der Welt ständigem Wandel unterworfen ist. Dass Flüsse Felsen schleifen, Berge wachsen und Seen verdunsten. Diese Prozesse der langsamen, aber unaufhaltsamen physikalischen Veränderung wendet sie auf ihre Werke an. Sie nennt das «Sedimentation»: Fotografien werden mit fotochemischen Verfahren verändert, übermalt, mit farbigem Licht angeleuchtet und wieder abfotografiert. Es ist ein unendlicher Prozess, der nie wirklich fertig ist. Jedes Werk ist nur ein temporärer Zustand. Sie konfrontiert uns so mit experimentellen Werken, die das Auge anziehen und die Unbeständigkeit der Welt symbolisieren.

Eine königsblaue Bluse, ein professionelles Model, ein Fotostudio: Eigentlich ist dieses Bild eine Modefotografie. Aber eine – natürlich absichtlich – missglückte. Sie gibt einen Blick hinter die Kulissen der Werbe- und Modeindustrie. Denn statt Mode sehen wir, wie Bilder konstruiert werden, um die Konsument_innen zu verführen – und wie diese Verführungskünste altern. Die kanadische Künstlerin Sara Cwynar (*1985, Vancouver, CA) kreiert hierfür eine Collage im Bild: Im Hintergrund hängt ein vergilbtes Renaissance-Poster – es zeigt wohl, wie Eva Adam verführt. Im Vordergrund klebt der altmodische Bastelbogen des Kleides, das Marilyn Monroe in dem Film «How to Marry a Millionaire» (1953) trug. Zwischen weiteren Ausschnitten aus alten Modemagazinen steckt eine junge Frau namens Ali, die in einer Bluse des Onlineshops SSENSE posiert. Cwynar stellt der modernen Modefotografie also Bilder vergangener Zeiten gegenüber. Vor unseren Augen entsteht so eine Zeitleiste der Verführungstaktiken.

Nicht alle Sterne am Himmel sind tatsächlich Sterne. Über unseren Köpfen, in der Umlaufbahn der Erde, schwirren auch Hunderte von Satelliten umher. Der US-amerikanische Fotograf und Geograf Trevor Paglen (*1974, Camp Springs, Maryland, US) spürt diese Satelliten mit Kamera- und Teleskoplinsen auf. Dabei greift er auf Daten von Amateuren zurück, sogenannten Satellite- Spottern, die den Nachthimmel systematisch beobachten. Auf dieser Fotografie hat er einen Satelliten erwischt, der zu einem Kommunikationssystem des US-amerikanischen Verteidigungsdepartements gehört, dem sogenannten «Ultra High Frequency Follow-On»-System. Der Satellit bewegt sich genauso schnell um die Erde, wie diese sich dreht: Er erscheint deshalb immer um die gleiche Zeit am Nachthimmel. Ziel dieser Fotografien ist es, die geografischen Strukturen der globalen Überwachung sichtbar zu machen. Paglen selbst benutzt für seinen künstlerisch-politischen Zugang den Begriff der «experimentellen Geografie».

Wo Strassen aufgerissen werden, sieht man vorher meist irgendwelche kryptischen Markierungen, die für Laien unverständlich sind. Vorbeigehende nehmen diese Zeichnungen unbewusst wahr, fragen sich vielleicht, was sich unter dem Asphalt befindet. Für die Bauarbeiter schaffen die Markierungen Ordnung, bevor das totale Chaos ausbricht, das eine Strassenbaustelle mit sich bringt. Für den US-amerikanischen Fotografen Daniel Everett (*1980, Hudson, Ohio, US) symbolisieren solche Ordnungsinstrumente die Moderne und eine dystopische Zukunft zugleich. Denn: Wo absolute Ordnung herrscht, da ist kein Leben. Der Fotograf spürt in seiner Fotoserie «Marker» Spuren dieses Strebens nach Ordnung auf. Er fotografiert diese Zeichen der Ordnung – und überhöht die Fotografien dann digital, indem er fiktive Elemente einbaut. Er schafft so wieder Unordnung: Die Markierungen wirken hier in der Häufung plötzlich wie Kreidezeichnungen von Kindern oder Graffitis von Jugendlichen.

Bonbons sind in der Regel bunt, sie sind hellblau wie der Himmel, violett wie ein Veilchen oder orange wie Tulpen. Das ist kein Zufall: Hauptabnehmer sind Kinder und Jugendliche – und diese sind vernarrt in Farben. Denn Farben, das ist Fantasie. Fantasie, die vor allem Jugendliche dazu anregt, auf alle möglichen Arten gegen die Gesellschaft zu rebellieren. Zum Beispiel mit bonbonfarbenem Haar. Doch heute gilt eine solche Rebellion nicht nur den Eltern, sie ist auch ein gut verwertbares Bildmotiv. Die Jugend von heute ist mit dem Internet aufgewachsen. Identität wird deshalb nicht nur, aber auch im Internet kreiert. Die beiden Fotografen Michael Meier (*1982, Chur, CH) und Rico Scagliola (*1985, Uster, CH) sind zweieinhalb Jahre mit Jugendlichen um die Häuser gezogen, um dieser Identität auf den Grund zu gehen. Dabei ist diese Fotografie entstanden, die Teil der Serie Neue Menschen ist. Und eines steht fest: Die neuen Menschen mögen es bunt.

Kommunikation findet oft im Stillen statt. Dann, wenn wir scheinbar schweigen, uns bloss anblicken oder von unserem Gegenüber abwenden, sagen wir eigentlich ganz viel. Diesem stummen Dialog widmet sich der koreanische Künstler Kyungwoo Chun (*1969, Seoul, KR). Simultan #1 zeigt zwei junge Frauen, die Rücken an Rücken zueinanderstehen, aus zwei unterschiedlichen Perspektiven. Wir erfahren wenig über die beiden. Sie scheinen aus der tiefen Unschärfe des Bildgrundes aufzutauchen, ihre Konturen sind verwischt. Individuelle Charakterzüge und Zeichen von Zugehörigkeit sind kaum erkennbar. Chun interessiert sich nicht für ein realitätsnahes Abbild der Porträtierten, stattdessen versucht er, das menschliche Dasein selbst und unsere sozialen Interaktionen sichtbar zu machen. Durch Langzeitbelichtung und simultane Fotografie aus zwei verschiedenen Perspektiven verdichtet Chun Zeit und Dialog und lädt gleichzeitig dazu ein, unsere vielfältigen Beziehungen auch aus einem anderen Blickwinkel zu entdecken.